Bicentenario Argentina 1810 - 2010 "Buenos Aires Arte Argentino Siglo XX"

Para no olvidar nuestro pasado y tener la responsabilidad del presente. Una contribución a la cultura en una muestra homenaje a destacados artistas plásticos argentinos que inmortalizaron con sus obras emblemáticos paisajes de Buenos Aires. Como ciudadanos y trabajadores de la cultura, rendir un homenaje a través del Arte es una responsabilidad que conlleva una obligación; por lo tanto, nos compromete en este Bicentenario, puesto que, una Nación se engrandece con el compromiso de sus ciudadanos. “Buenos Aires Arte Argentino del Siglo XX”, es una muestra que involucra a 14 distinguidos artistas, entre otros, que han contribuido con su arte y su prestigio a nuestro patrimonio cultural. Alfredo Bertani, eximio pintor del Bajo Belgrano, discípulo de Repetto y Cleto Ciocchini; Claudio Gorrorrategui, premios Martín Malharro y Salón Nacional; Osvaldo Imperiale, seguidor de la línea artística del maestro Quinquela y asiduo concurrente del Salón Nacional; Juan Orihuel, celebrado pintor hiperrealista, discípulo de Rusiñol; Indalecio Pereyra, discípulo de Malharro y Collivadino, Premio Sívori Salón Nacional; Dalmi Imperiale, discípulo de Quinquela, que perpetuó el inconfundible estilo creado por su maestro, otorgándole su personalidad; Claudio Scheffer, Premio Salón Benito Quinquela Martín; Virgilio Vallini, pintor intimista galardonado con varios premios; Alberto Tomás Gini, pintor contemporáneo y José Martino, pintor italiano nacionalizado argentino, fundador de la Asociación Gente de Arte de Avellaneda, nos muestran desde diferentes estilos y técnicas la inspiración del inconfundible Riachuelo, lugar más que simbólico, ya que allí se llevó a cabo la Primera Fundación de Buenos Aires por Pedro de Mendoza en el año1536. Juan Carlos Huergo, pintor, dibujante, litógrafo e ilustrador y Vicente Vento, un gran intimista discípulo de Lazzari y acreedor de varias distinciones, nos seducen con sus paisajes sobre la ciudad. Obligada y merecida la presencia de unos de los grandes maestros de la pintura argentina, Benito Quinquela Martín, con una de sus celebradas aguafuertes, reflejo de su predilección por los trabajadores de La Boca. La obra “Plaza de Mayo”, del pintor David Heyneman, quien documentó lugares de la Ciudad y a quien se llamó “el pintor de las calles porteña”, hacen de esta muestra, no sólo un homenaje a estos hombres, sino también a la cultura, que es el bien más preciado de una Nación. Nuestra contribución y la del espacio de difusión Hipólito Restó & Arte es conceder a la comunidad la pasión y el tributo a la cultura del país de estos grandes artistas, sugiriendo al espectador el interrogante de dónde venimos y hacia dónde vamos. La muestra, está abierta al público hasta el mes de Mayo con entrada libre y gratuita en conmemoración del Año del Bicentenario Argentino, 25 de Mayo de 1810 -2010.

La artista multidisciplinar y creadora del Dimensionalismo Francisca Blázquez, expone en Buenos Aires.

Francisca Blázquez presenta, por segunda vez, en Hipólito Restó de la Ciudad de Buenos Aires la exposición Dimensionalismo, concepto acuñado por la creadora madrileña en 1998 y que le permite indagar en la vertiente más elegante de la existencia, la vertiente estructural, a través de la cual constata la evidencia de la formalidad que recorre la propensión hacia la luz, hacia la espiritualidad y la elevación del amor y el amar.

Francisca Blázquez es una creadora que innova, apostando por la belleza en unos momentos de crisis en los que todo se cuestiona pero, a la vez, es capaz de ver con claridad la luz al final del túnel porque la verdad única no existe pero, en cambio, la magia del laberinto es infinita.

Nace en Madrid, creadora del Dimensionalismo, nueva teoría que se sustenta en viajar a través de las dimensiones para hallar una mejor comprensión de la dinámica espiritual, energética, iluminada, mental y astral.

Esencialmente pintora, pero también joyera, escultora, grabadora, fotógrafa, dibuja, crea net.art, animaciones digitales, instalaciones y montajes.

Su obra posee la matemática del universo, también se interesa por lo transparente, a partir de formas, que, a veces, son estructuras cristalográficas como la reciente serie dedicada a la dimensión del agua, o bien se sumerge en la investigación de la complejidad formal en la que constata la fuerza de la iluminación y el poder evocador de una arquitectura soberbia que nos conecta con la alegoría interior del alma profunda.

Una alegoría, que es simbiosis de fuerza y expresividad, determinación y momentos de gran receptividad espiritual.

Con más de 366 exposiciones individuales y colectivas en 17 países y continentes, su creación pictórica se encuentra representada en las mejores colecciones internacionales: Fundación Newman de Chicago, Museo Marugame Hirai de Japón, JJ.00. de Pekín, Fundación Argentaria de Madrid, Unión de Bancos Suizos, Bolsa de Comercio de Buenos Aires, Grupo Dúplex, Eurodesign, Corporación Bancaria Suiza, etc.

Trabaja en acrílico sobre tela, busca el equilibrio, dentro de la simetría, resaltando la belleza de las estructuras, la formulación de la intensidad cromática, en entornos galácticos, cósmicos, espirituales, angélicos, elementales y sensibles.

Su obra es un canto a lo espiritual en una era de cambios, en la que todos estamos vibrando a un nivel diferente de cómo hemos estado hasta la fecha. Todo esto es consecuencia de una dinámica compleja y alambicada que ha planteado el excesivo consumismo, la desestabilización del medio ambiente y la falta de objetivos claramente románticos y sensibles orientados hacia lo trascendente, cuestión fundamental para Francisca y que se refleja con claridad en su producción.

La obra de la artista madrileña estará expuesta hasta el 30 de Octubre de 2009 en el espacio de difusión Hipólito Restó & Arte de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Conjuntamente, Blázquez expone del 1 al 15 de octubre, en la Galería Actual de Lisboa, Portugal.

Joan Lluís Montané

De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

www.joanlluismontane.net

Hipólito Restó & Arte

Sarmiento 948

Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Argentina

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La obra de Arte Digital de Débora Trachter.

Hipólito Restó & Arte

Buenos Aires

Argentina

Setiembre 2009

Débora Trachter, Arte Digital, diálogo entre la abstracción y la geometría.

Nació en Buenos Aires en 1959. En 1978 comenzó fotografía en el Fotoclub Buenos Aires y realizó varias exposiciones colectivas. Estudió dibujo y pintura. Hace unos años descubrió el Net – Art, transformándose en un nuevo lenguaje, y creo que para el espectador también. Realizó dibujos de cuentos infantiles para España. Está preparando el libro “Lugares Deborianos”, retratos de los lugares que visita, a los cuales les agrega su impronta. Con el arte digital trata de hacer algo más pictórico, donde las sensaciones, emociones y climas es lo que se plasma en la obra terminada. Sus obras se encuentran en Miami, Nueva York, Italia, España, Polonia, Rosario, Los Molinos (La Rioja) y Buenos Aires. Joan Lluís Montané De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA) La obra de Arte Digital de Débora Trachter dialoga entre la abstracción y la geometría, buscando en las superposiciones cromáticas, los difuminados y las transparencias, el dinamismo de lo complejo. Crea obra pensando en y para la red de internet. Creación digital que emplea los recursos de la red, datos e ideas, conceptos y elementos, que forman parte de una determinada idiosincrasia en la que lo significativo es la dinámica informal, la percepción de lo delimitado y sintetizado. El color es muy importante porque garantiza atmósferas, asienta espacios, que, sin embargo, poseen una gran libertad de ejecución, al margen de lo específico, en lo emblemático del término. Porque no se interesa por ser coherente en lo racional, sino que deja fluir el inconsciente, para, luego racionalizar determinadas actuaciones, consiguiendo, de esta manera, una interactividad entre formas geométricas, la energetización cromática, la presencia de líneas rectas que inciden de manera repetitiva en el contexto del color produciendo contraste y buscando romper la voluntad armónica. A veces, incluso, son también, partes de una asimetría buscada, para ir más allá de los límites, hasta alcanzar la formulación de la visión compleja del discurso digital fundado en la transformación de la forma en la dinámica del laberinto asimétrico, dentro de una contención espacial y compositiva hasta alcanzar cotas de singularidad específica e incluso aproximarse a momentos de tensión, que son sustituidos rápidamente por instantes de comprensión de la belleza calculada. Plasma huellas, rastros de iconismos, formas que son parte de los espacios que genera, en el sentido de ser coherente con la transformación del contexto, en línea con la búsqueda de nuevos planteamientos en los que profundizar con determinación generando nuevos mundos de instantes matemáticos y físicos reconvertibles. Hipólito Restó & Arte Sarmiento 948 Ciudad Autónoma de Buenos Aires Argentina www.hipolitorestoarte.com.ar www.joanlluismontane.net/ http://deboratrachter.blogspot.com/

Magdalena Clariá, la exuberancia y la expresividad sutil.

Magdalena Clariá busca la exuberancia en sus conjuntos de flores, mostrando un predominio del primer plano, también de otros planos que nos aproximan a las partes superiores e interiores de las flores, preferiblemente rojas, que cubren la composición con su perfume cromático.

Todo ello para buscar la belleza de un lenguaje plástico, que renuncia al detalle, en función del color y el gesto, auténtico sesgo, que le confiere una impronta sugerente al conjunto de su obra nutrida de flores expresivas, alegóricas, casi simbólicas, pero, realistas, asentadas en el movimiento.

Su obra en acrílico es más gestual, de colores intensos, dentro de una síntesis escenográfica, para resaltar, especialmente, las flores, detalles de las mismas, siendo captadas como si fueran el resultado de momentos, de instantes profundos que se recrean consigo mismas para trasladarse a la voluntad específica de la naturaleza que consiente el avance hacia la consecución de lo concreto, específico y racional.

Sus acuarelas de flores son más sutiles, buscando el centro de la composición, la naturaleza cromática de tonos suaves, entrañables, casi íntimos, como si fueran partes de una mente interior que buscara la singularidad en las consecuciones insinuadas más emblemáticas.

Somos el resultado de momentos, de ahí que sus composiciones florales se alejen de lo académico, buscando el momento, el aura del instante, que capta el estadio, los sentidos, los estados de ánimo.

Construye a través del gesto, sin llegar al detalle excesivo, permitiéndose ciertas licencias para alcanzar una visión genérica de una realidad que transforma, para avanzar hacia la fantasía de la creación, coincidiendo con la belleza que encierra la naturaleza, interpretándola con recursos plásticos notables, tanto a nivel cromático, como de dibujo y composición.

Joan Lluís Montané

De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

Los Cafés de Stella Sidi, un ritual placentero en una muestra entre el umbral de la fotografía y la pintura.

Pinturas que no lo son, de la manera tradicional, ni fotos como tales, en una dialéctica contemporánea donde nada es lo que parece se exponen en un Café Bar de Buenos Aires.

Los hechos cotidianos conforman inconscientemente el entorno de nuestras realidades, gestos, ritos, pequeños placeres.

El análisis de esos detalles llevó a Stella Sidi a investigar los momentos de distensión y reflexión que se siente cada vez que un café forma parte de esos momentos especiales.

El café es un ritual placentero y de reflexión, de encuentro con amigos, insertado en la iconografía porteña.

Y…, no es el café que se toma en casa…, es el que nos acompaña fuera de ella…, quizás buscando la calidez del refugio.

En un trabajo de búsqueda de su identidad, durante más de un año tomó fotografías de esos cafés compañeros, distintas tazas, sabores y entornos.

En la post-producción, sólo diez de ellos fueron seleccionados, a los cuales intervino digitalmente, imprimiéndolos en canvas y completándolos con lápiz color.

Sidi, busca la intervención artística en el objeto, rompiendo moldes de las habituales barreras entre las distintas disciplinas.

El café como actitud crítica ante un hecho que se desconoce si se va a producir.

Investiga la cultura del misterio a partir de sus propias posibilidades expresivas, pero, a la vez, va más allá de la anécdota.

Disciplinas plásticas que poseen distintos lenguajes pero que se pueden conjugar entre sí, incluso emplazándolas sobre soportes no habituales.

Realidad ambigua y personal, que seguramente deviene universal, donde el resultado pasa a estar en el umbral entre la fotografía y la pintura.

La muestra estará abierta al público hasta el 31 de Julio en el espacio alternativo de difusión Hipólito Restó & Arte donde los transeúntes pueden convertirse en cómplices de esta realidad dual según el observador que la aprecie.

Hipólito Restó & Arte Ciudad Autónoma de Buenos Aires Argentina www.hipolitorestoarte.com.ar

Hipólito Restó & Arte, y su perspectiva del arte abstracto de la mano de Karina Bezchinsky.

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“Van Viniendo” una muestra de la artista Karina Bezchinsky, presentada en el espacio alternativo Hipólito Restó & Arte de la Ciudad de Buenos Aires, donde nos muestra sus experiencias en las que se encuentra, se traduce, se trasluce, manifestándose a través de una diversidad de colores, formas y texturas.

Karina Bezchinsky indaga en el poder de la mancha en sus composiciones abstractas, realizadas en óleo, también en técnica mixta y collage.

Busca la explosión del color, la fuerza de la intensidad cromática, el poder directo de la mancha en el espacio, cual signo de existencia y vida.

Persigue el cambio continuo del color, la plasmación de la evidencia de la propia existencia en lo más hondo de la fuerza emblemática que nos acoge.

Es un canto hacia la belleza de lo que está vivo, a partir de una actitud que va más allá de las anécdotas y de la necesidad de vivir sin más.

Indaga en la translación y el movimiento, en el cambio continuo y en la fenomenología de lo que es por sí mismo.

Lo que está claro es que la mancha, es la expresión vital, la mancha es la evidencia de la energía, el alcance de sus designios, que son los que nos transportan hacia otras consideraciones y galaxias tanto vitales como mentales.

La mente de la mancha es la mente del universo, se expande, o se contrae, posee colores sensuales, atractivos, vitales; pero también cromatismos evanescentes, casi celestiales, tocados con la gracia divina, con la gracia de quien se sabe poseedor de los alcances insuperables de una vida entera, grande y fuerte; una vida que es existencia en grado sumo, en grado superlativo, en grado emblemático y contrastado.

Nacida en Buenos Aires en 1963, comenzaron a esbozarse hace algunos años las primeras manifestaciones de lo que es hoy una irrefrenable explosión de color y experimentación a través de la cual siente que canaliza y libera esa generosa intuición que guía su evolución espiritual.

Comenzó su exploración y formación en el taller de Diana Dreyfus, y luego en el taller de Silvia Flichman, quien estimula su participación en diversos eventos de arte.

Cree en el arte, en las corrientes que fluyendo amalgaman procesos creativos compartidos. Trabaja actualmente en varios proyectos de integración de diferentes disciplinas artísticas como teatro-música-pintura; escritura-pintura-danza con la idea de crear una sinergia que sintetice y complete cada vez más la unidad de la que somos parte.

Es una muestra en la que las intuiciones que se gestan en Karina, son guiadas por una inquieta y transformadora energía vital.

Una diversidad de colores, formas y texturas que invitan a jugar, a sentir que cada obra es un nuevo viaje, estarán presente hasta el 26 de Junio de 2009, en este espacio alternativo para los artistas.

Hipólito Restó & Arte

Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Argentina.

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Juan Carlos Callejón, un creador abstracto, que se interesa por la apariencia de la vida.

Juan Carlos Callejón, en su muestra “Síntesis” inaugurada en el espacio Hipólito Restó & Arte de la Ciudad de Buenos Aires, indaga en la potencia del gesto, en la presencia del espacio, a través de formas sinuosas, de movimientos que abrazan la evidencia de lo que está cambiando, porque en el movimiento está la fuerza de la transmutación, buscando una síntesis que no sea excesivamente descriptiva. Es un creador abstracto, que se interesa por la apariencia de la vida, en cualquiera de sus formas. Callejón nos acerca con sus técnicas mixtas sobre papel, estructuras y enlaces que bailan la danza de todas las danzas, que perfilan alegorías, composiciones, paisajes, elementos, momentos, alusiones y evidencias, y también aquello que parece pero no es. Técnico y Profesor Superior en Dibujo y Pintura, Profesor y Perito de Artes Plásticas, Juan Carlos cuenta con una trayectoria de innumerables exposiciones individuales, Salones y concursos en la Ciudad de Córdoba y Buenos Aires. Nacido en Laboulaye, Prov. de Córdoba en 1969, ya lleva más de 15 años como Docente de Artes Plásticas en diferentes niveles, incluyendo el dictado de Seminarios Taller en varias ciudades de su provincia, realizando de esta forma su devolución de todo lo aprendido. Es fundador del Taller Sol Azul que continúa hasta el día de hoy y con el que ha realizado varias muestras. “Síntesis”, compuesta por 17 obras, estará abierta al público hasta el 29 de Mayo de 2009. La misma indaga en lo abstracto a partir del gesto, pero construyéndolo, sin renunciar a su perfil, porque el gesto se fundamenta en la posibilidad de ir más allá de la alegoría de lo que es. Hipólito Restó & Arte Ciudad Autónoma de Buenos Aires Argentina.

Eva Manzella "Sensaciones que provocan mi imaginación"

Hipólito, el Restó de la City de Buenos Aires, donde se fusionan la gastronomía con exposiciones de artistas plásticos consagrados y emergentes, abre su calendario 2009 conla obra pictórica de Eva Manzella en una apuesta por la otra verdad de la existencia, a favor de una visión de la evidencia de la esencialidad.

"En el acto de pintar, expresa Eva, pienso en cómo distribuir el espacio de la tela, como si fueran los renglones en donde voy escribir mis palabras, mis manchas; trato de representar mi paisaje interior sin atarme a una estética determinada, utilizando tanto el negro como el color, en un antagonismo en lucha de emociones y pensamientos, una figura que emerge como un gesto, un cuadrado que nos contiene, pero no nos deja ser en nuestra verdadera geometría.

Somos habitantes de nosotros mismos, tratando de romper la barrera que no nos deja estar con el otro. Como penetrar los caminos que esconde la ciudad perdida, invisible, acechante, furiosa, descarnada e intrigante. Estos mundos desconocidos son habitados por mí, y en mi dolor por ellos, para perderles el miedo, para hacerme amiga, quiero sentir que fueron puestos en descubierto, que alguien los vio, que yo los encontré y ahora los conozco.

¿Cómo puedo representar esos mundos escondidos e inalcanzables? Sólo mis sensaciones provocan mi imaginación, mi intuición me guía en la búsqueda estética, no alcanza la información, no alcanza nada."

La muestra, compuesta por trabajos en acrílico y técnicas mixta sobre tela, indaga en sensaciones y estadíos de la conciencia, empleando recursos propios del expresionismo, interactuando entre diferentes realidades, sin renunciar a la plásticidad. Una obra que posee sensualidad y coherencia.

Somos aquello que nuestro cerebro puede procesar, pero, también, algo, más, y no estamos solos.

En un mundo tan convulsionado, con un presente vertiginoso, este pequeño Restó, quiere con sus propuestas artísticas, albergar sensaciones en la mente y en el corazón.

La muestra estará abierta al público hasta el 27 de Marzo de 2009.

Texto:

Joan Lluís Montané

Eva Manzella

Fernando Diego Magnalardo / Jorge Omar Vera.

Verónica Rodríguez "BODEGONES"

El cálido mundo de nuestros abuelos.

El hiperrealismo de Verónica Rodriguez busca centrar la composición. No hay nada fuera de lugar. Trabaja con técnica depurada, buscando la exhibición del control compositivo, en el sentido de fomentar una obra en orden, equilibrada y que de elegancia a la belleza de lo representado, determinando sus preferencias por lo bien hecho, entendiendo como tal la adscripción a aquellos aspectos de la realidad más ecuánimes y más armonizados. Sus composiciones son de un realismo tal, que están insertos en un entorno que se podría definir campesino, logrando un contraste llamativo entre la pulcritud y la belleza de los elementos representados y lo desvencijado de las paredes y mesadas de su alrededor, simulando así una típica escena de alguna casa de nuestros abuelos, con aquellas paredes pintadas a la cal, húmedas y testigos del paso de los años. Su serie, realizada en óleo sobre tela, posee un tratamiento excelente en el uso de la luz, destacando los reflejos sobre los metales y/o vidrios y un apetecible cromatismo, logrando obras de características bellas y nostálgicas. Jorge Vera / Fernando Magnalardo - Directores de Hipólito Restó & Arte BubbleShare: Share photos - Craft Ideas

Los bodegones de Verónica Rodríguez se fundamentan en la consecución de la hiperrealidad de los objetos, buscando, permitiéndose, encontrando estados de serena visión pictórica.

Se aproxima a una realidad que es concreta, que enlaza con su percepción de los objetos, elementos, utensilios, frutas y otros objetos de los bodegones que son partes de una composición que se orienta hacia la formulación del deseo de lo objetual.

Su objetualidad es determinante, en el sentido de que conjuga color y forma, objeto y composición, a partir de encuadres basados en primeros planos, en planos próximos a una realidad que se interconecta con su voluntad de conocer la percepción interior que alimenta lo representado.

La artista, nacida en Buenos Aires, vive en Argentina y Francia, exponiendo en ambos países, siendo su obra sólida, a la vez, concreta, buscando ambientes determinados por la evidencia de los objetos, frutas y utensilios.

El objeto o el elemento se convierten en el primer protagonista de su creación. Sus frutas en sus bodegones ocupan la parte central de la composición, porque buscan el protagonismo de las mismas, no son mero objeto decorativo.

De hecho rehúye la decoración, buscando la presencia física clara de lo representado, en el sentido de ahondar en la preponderancia de los objetos y frutas, de la exhibición clara de sus elementos y partes, como esencias encuadradas en el discurso clásico, pero, a la vez, contemporáneo.

En realidad busca la persistencia de lo contemporáneo a partir de emplear actitudes clásicas, para obtener una determinada efusión de sensualidad conectando con la formulación de una realidad que se asienta en lo determinante de lo existente.

Es partidaria de los sombreados, conjugando la presencia de la luz, armonizando zonas de claridad y oscuridad, para mostrarnos el poder pictórico de una obra que se funda en el dibujo, la perspectiva, los encuadres, la combinación de colores intensos con otros más austeros, dentro de un discurso en el que lo importante es la descripción y lo que esta representa más allá de sus propios límites.

Joan Lluís Montané

De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

Elizabeth Eichhorn: Razas y Colores

Hipólito Restó & Arte Ciudad Autónoma de Buenos Aires Argentina La razón de "Razas y colores", es la de aunar en un tema y una técnica distintas expresiones respetando la idiosincrasia de cada uno. Por eso se verá una variedad particular, incursionando dentro de lo figurativo y lo humano, que es lo que más aprecio trabajar, en distintas maneras de verlo. Obras de colorido luminoso y suave, otras casi monocromas, otras de colores vibrantes, algunas más oscuras. Y en el procedimiento se verá el trazo, en unas de un realismo muy marcado matizado con manchas, en otras el protagonismo pertenece a estas manchas, y en algunas más habrán con una pisca de expresionismo, de fantasía. Las personas retratadas presentan su folklore, ya sea en la vestimenta, en sus flores nacionales o en los elementos que las acompañan, o en su problemática social. Todas pretenden tener la expresión característica de la idiosincrasia de su raza. No falta, como nunca faltó, la presencia argentina y además, como me gusta hacer en todas las muestras que he realizado, hay una obra "unificadora", la del país imaginario, la que puede pertenecer a todos, la que puede representarlos a todos mostrando que, ante los ojos de la naturaleza y de Dios, la esencia del ser humano es la misma así cambie el lugar geográfico y así pase el tiempo. Esta es mi intención, y estoy satisfecha con ella. Elizabeth Eichhorn, de la figura, el rostro, la acuarela, el primer plano. BubbleShare: Share photos - Craft Ideas Centra su atención en la figura, detallándola, realzando aspectos particulares del rostro, pero sin aspavientos, con precisión pero sin la meticulosidad híper, sino con la naturalidad como norte. Aborda la acuarela con precisión, permitiendo que el color acompañe al dibujo pero sin convertirse en protagonista principal, sino complementario. Dibuja con buena técnica, especialmente mujeres, niñas, también hombres, de diferentes continentes y culturas. Sus personajes son retazos de historia, genealogías familiares y étnicas, que destilan raza y trazos, que constituyen formas de atraer la atención al espectador sobre sus orígenes. Compagina la figura de la mujer, a la que aborda preferentemente de perfil, aunque también de frente, con flores y manchas alrededor del personaje femenino, que realzan su rostro y parte del cuerpo. En ocasiones prefiere concentrarse en escenas determinadas, donde hay multitud de personajes y la composición posee una actitud abierta general. Se trata de ir más allá de los límites convencionales, pero, sin dejar de ser clásica en el enfoque. Centra la atención en el conjunto de la composición, prefiriendo personajes representativos de culturas y países concretos, que destaquen por la pertenencia clara a una determinada etnia por rasgos, ropas y facciones. Su obra es figurativa, realista, pero, a la vez, posee un planteamiento poético, dulce, donde cabe la suavidad y la compaginación de la armonía con la facilidad para el dibujo. Su tratamiento de la acuarela es sutil, a base de aguadas controladas, de colores de tonos suaves, en ocasiones más fuertes y evidentes, pero sin causar desestructuración ni excesiva expresividad. Su intención es presentar una obra pictórica, realizada en acuarela, claramente compensada, clásica, evidente y, al mismo tiempo, consecuente con su voluntad de representar una visión de la belleza y la universalidad. Joan Lluís Montané De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

Stella Mezzadri y su envolvente mundo de sensaciones.

En su nueva “Serie 2008”, la pintora argentina capta y expresa estadios del alma y nos conduce, a través de su discurso plástico, a lo que no se dice pero que está explícito. BubbleShare: Share photos - Create and Share Crafts Stella Mezzadri se encuentra inmersa en la búsqueda del yo en la estructura de la forma en sus composiciones de óleo sobre tela. Una búsqueda a través del subconsciente, de lo onírico insertado en la dinámica de la progresión formal. Capta estadios de la mente, cada vez con mayor claridad, como podemos ver en la evolución que ha experimentado con respecto a la obra del año anterior. En su nueva Serie 2008 nos muestra el renacer del profundo letargo que la naturaleza envuelve a todos los seres vivos, logrando de esta manera, a través de su laboriosa búsqueda de colores, un producto muy elaborado, donde la luz juega un papel preponderante en la misma, como así también la calidez, la delicadeza, los interesantes cromatismos y las excelentes composiciones, los cuales se conjugan en una sola materia. Sus composiciones se entrelazan caprichosamente formando vertiginosas figuras definidas por el estado anímico del espectador, incluso fuera de los límites físicos de la obra, pudiendo de esta manera combinar en dípticos o trípticos, como si los mismos hayan sido realizados el uno para el otro, realzando de esta forma la maestría de su obra. Refleja momentos interiores, paisajes álmicos, fuerzas que son parte de la naturaleza, que son movimiento y gesto, de origen vegetal y dévico, que se transforman en fundamentos de un discurso plástico que gana en misterio, que incorpora elementos más enigmáticos, para adentrarnos en su particular laberinto. Un laberinto que forma parte de un posicionamiento central de Stella Mezzadri basado en la determinación del cambio para adentrarse en la fenomenología del espíritu. Abandona la forma, el espejismo, el maya controlado, por una obra más entera, en el sentido que se adentra en lo subconsciente, en el poder evocador de la energía transformadora, en la fuerza de lo plástico sin necesidad de recurrir a iconismos descubridores de una realidad que se presume pero que está formada por un conglomerado dispar de situaciones, o bien por concentraciones energéticas que la artista trata con determinación. Su composición, elaborada en óleo sobre tela, está basada en colores y tonos propios, difuminados y degradados, tonos intensos pero sutiles a la vez, que conforman una paleta que acompaña el mundo psicológico de la autora argentina. Un sinnúmero de emociones: sensualidad, erotismo, vértigo, paz, logradas a través de su alquimia de colores y un exquisito uso de la luz se podrán apreciar hasta el 3 de Octubre, en Hipólito Restó & Arte con entrada Libre y Gratuita. Joan Lluís Montané De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA) http://www.joanlluismontane.net/ Fernando Diego Magnalardo Jorge Omar Vera. Directores: Hipólito Restó & Arte

Atreverse a Mirar

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Atreverse a Mirar

Hipólito Restó & Arte

Del 6/05 al 06/06/08

Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Argentina

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Saber mirar. Dejar de adivinar. Aprender a mirar y entender lo que veo. Es parte de la inquietud de lograr sentirme protagonista de mi propia vida. Dejar de obrar por reacción y poder hacerlo con reflexión, siempre con el enriquecedor acompañamiento de aquellos que aportan su particular mirada y amplían la mía. Sin duda, un momento especial, un paso dado, una vivencia, cierto crecimiento y una profunda mirada interna se encuentran en estos cuadros. Ellos son un espejo donde vi. Lo que no veía. Lo paradójico es que desde mi propio trabajo me sentí también muy mirada. Hoy están expuestos para todos aquellos que quieran ver y porque no descubrir en ellos algo mas.

Quiero compartir mi obra con quienes quieran disfrutarla, y así contagiarles un poco de la energía, las emociones y sensaciones que los colores que uso me transmiten. Necesito destacar lo bello y agradable que nos rodea cotidianamente y tenerlo presente, apreciarlo y disfrutarlo, dándoles especial protagonismo. Mis temas favoritos son las flores y los cielos, con un enfoque muy propio, donde plasmo la belleza efímera a la que muchas veces somos indiferentes, con la esperanza de eternizar sentimientos y emociones gratas. Cynthia Novillo Almada

Cynthia Novillo Almada abraza el mundo de las flores, jugando con ellas, reconvirtiéndose su mundo en otro, porque éstas son producto de una actitud que viaja más allá de las limitaciones ordinarias. Sus flores son miradas, personajes que se funden con los Devas. Cielos, flores, iconos vegetales y símbolos, la obra pictórica de la creadora argentina se basa en una dosis considerable de poesía alegórica, tendente a captar estados de ánimo y transmitirlos a través de representaciones simbólicas. El resultado es una obra claramente elaborada, dotada de concepto, donde el color ejerce de llave que abre el secreto de la iluminación hacia el universo de los verdaderos significados. Joan Lluís Montané de la Asociación Internacional de Críticos de Arte

Nació en Argentina, en la Ciudad de Buenos Aires en 1960. Se recibió de arquitecta de interiores en La Biblioteca Nacional del Consejo de Mujeres en 1983. Allí perfeccionó su técnica de dibujo, pintura, composición, y estudio del color. Interesada en la pintura como forma de expresión, asistió a varios cursos de pintura decorativa de distintos estilos, al óleo o al acrílico. Estudió dos años fotografía en el Instituto Superior de Arte Fotográfico. Desde el año 2003 asistió a diversos talleres de pintura. Sus temas favoritos son las flores y los cielos, con un enfoque muy propio, donde ella plasma la belleza efímera y a la que muchas veces somos indiferentes, con la idea esperanzada de eternizar sentimientos y emociones gratas. http://expodolmendali.com/Coppermine/displayimage.php?album=21&pos=21 http://www.franciscablazquez.net/montane_articulos_iv_mega_exposicion.htm http://www.revistaenie.clarin.com/notas/2008/02/19/01610833.html http://www.artedelmundo.com.ar/intro_esp_ingles/principal/historial_noticias/2007/diciembre/expoartistas/expoartistas.htm

La Nature Humaine, selon NEST.

Nest

Hipólito Restó & Arte

Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Argentina

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Il est une exposition de peinture très particulière que celle du peintre français de Buenos Aires, NEST, bénéficiant en outre de l’appui de l’Ambassade de France en Argentine.

Auteur compositeur, membre de la SACEM de Paris, il a choisi l’Argentine (Buenos Aires) pour y vivre une expérience différente, quittant son Toulouse natal (France), découvrant ainsi une culture nouvelle tout en ouvrant une autre page de sa vie de peintre. Après diverses expositions dans notre pays, il devient artiste permanent de la galerie Tony Wynn "Serious Studios" (Gavelston Island, Texas, USA), est sélectionné par l’éminent jury de la fameuse AGORA Gallery de New York pour participer à l’importante exposition des peintres latino-américains et participera prochainement à la troisième grande exposition “Caliente” du 05/07 al 25/09/2008 organisée par Art Fusion Gallery de Miami. Cet impérieux besoin de peindre ne le quittera donc plus désormais. Résidant à Buenos Aires avec sa famille, étudiant nos mœurs et coutumes, notre culture, cet artiste s’est inventé un style très personnel où se chevauchent symbolisme, abstraction et mysticisme, le figuratif lui paraissant comme trop réducteur. La Nature Humaine l’interpelle sans cesse, il la peint à sa manière, celle de NEST. Il poursuit enfin, en parallèle, un autre grand projet dans le domaine de la chanson avec certaines ambitions. Soutenu par l’Ambassade de France, NEST nous dévoilera sa Nature Humaine au cours d’une exposition proposant une vingtaine d’œuvres au sein du déjà classique Hipólito Restó & Arte situé au microcentre de la ville de Buenos Aires. Cet événement inauguré le 07/04/2008, sera ouvert au public avec entrée libre et gratuite jusqu’au 9 mai,du lundi au vendredi de 8 à 19h.

Nest, pintor francés en Buenos Aires.

La naturaleza humana según Nest.

Hipólito Restó & Arte

Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Argentina

Una particular muestra de Arte, auspiciada por la Ambassade de France en Argentine, del pintor francés en Buenos Aires. Autor, compositor, miembro de la SACEM de París, ha elegido a la Argentina (Buenos Aires) para vivir una experiencia diferente, dejando su Toulouse (Francia) para descubrir una nueva cultura y comenzar otra página de su vida como pintor. Con varias exposiciones realizadas en Argentina, es artista permanente de la Galería Tony Wynn “Serious Studios”( Galveston Island, Texas, USA), fue seleccionado por el jurado de AGORA Gallery (New York, USA) para la “Latino American Exhibition” y participará en Art Fusion Gallery (Miami, USA) de la Tercera Gran Exhibición “Caliente” del 05/07 al 25/09/08, por lo que su necesidad de pintar no lo deja más ya. Radicado en Buenos Aires con toda su familia y explorando sus costumbres y cultura, este artista, que se inventa un estilo muy personal, mezclando simbolismo, abstracto y misticismo, ya que el figurativo casi nada le interesa, lo interpela la Naturaleza Humana y necesita pintarla a su manera, a la manera de Nest, siguiendo en paralelo su gran proyecto de ambiciones justificadas. Auspiciado por la Embajada de Francia, Nest nos mostrará a su Naturaleza Humana en una muestra compuesta por 20 obras en el ya clásico Hipólito Restó & Arte en el Microcentro de la Ciudad de Buenos Aires. La muestra se inaugura el 07/04/2008 y estará abierta al público con entrada libre y gratuita hasta el 9 de mayo, de lunes a viernes de 8 a 19 horas.

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EXPRESIONES

Orlando Argañaraz EXPRESIONES

Hipólito Restó & Arte

Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Argentina

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Mi vocación artística se inició a muy temprana edad, dado que el dibujo en todas sus expresiones siempre ocupó mis momentos libres, siendo un autodidacta en este aspecto. Tomé luego la decisión de elegir el arte como medio de expresión, incorporando al dibujo técnicas de pintura en Óleo y Acrílico, recibiendo el asesoramiento de Artistas Plásticos tales como Juan Carlos Gianuzzi, en un primer momento, para luego continuar el perfeccionamiento de las técnicas de Pintura Realista con Oscar Correa. Algunas de mis obras son expuestas en Galerías de Arte, como así también participé y continúo participando en diversas Exposiciones, tales como en Palacio San Miguel y Galería de Arte Alicia Brandy en la Ciudad de Buenos Aires, en el Hotel Holiday Inn de la Ciudad de Córdoba y Secretarías de Cultura en distintos puntos del país, contando con algunas de mis Obras ya premiadas. Ejerzo la docencia en las especialidades de Dibujo y Pintura, pero fundamentalmente en Pintura Animalista y Paisajista en Óleo y Acrílico.

Stella Sidi, Amores Prohibidos

Amores Prohibidos

Hipólito Restó & Arte

Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Argentina

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El amor es universal y su rastro y esencia se encuentran en todas partes. Es más, me atrevería a decir, que el amor mueve el mundo y el universo. Es el motor que transmite energía, que comunica la fuerza necesaria encaminada a desarrollar los mecanismos del gran engranaje. Vivimos en un universo sincrónico, formado por distintos sistemas que se interrelacionan unos con otros. No hay nada al margen de lo evidente, todo se halla en el gran mecanismo celestial, pero, cada cosa y elemento en su correspondiente sistema, interactuando. De ahí que el funcionamiento cósmico sea amor. Y ello es así porque las interrelaciones energéticas, la dinámica de los polos opuestos, la persistencia de energías superiores, la iluminación espiritual, la forma de entender el mundo al margen del postulado biológico, todo es parte del amor porque se transforma continuamente. Y no hay posibilidad de transformación y uno no da y el otro no recibe. Si uno da y el otro se muestra receptivo comienza el desarrollo, se asienta la transformación. Amar es darse, ir más allá de los límites, transformando la esencia de las cosas. Cuando uno está enamorado, de quien sea, sin importar edad, condición social, posición, credo o cultura, experimenta una serie de transformaciones físicas y químicas. Genera energía y movimiento al igual que el mundo, los seres vivos en su conjunto y la naturaleza en sus diferentes intercambios y en el discurrir de cada segundo de la vida. Stella Sidi, en su serie titulada ‘Amores Prohibidos’, realizada en lápiz sobre papel y en esgrafiado y pastel, muestra relatos de la historia universal, sobre relaciones no autorizadas. Emplea la figura femenina como referencia central, presentándola estilizada, sutil, insinuante, buscando la sensualidad, la pose adecuada, encuadrada en lo sugerente. Refleja mujeres solas, que se adivina captadas en situaciones y con personajes extravagantes, viejos, misteriosos o bien con seres impensables, emplazadas de una forma u otra, según sea su composición y la correspondiente alusión que lleva implícita. Meticulosa, elabora sus personajes con suma delicadeza y precisión, permitiéndose varias licencias pictóricas históricas, citando a De la Croix o Tiziano, entre otros pintores. Realiza un recorrido simbólico a través del amor, entendido con letras mayúsculas, fomentando su comprensión, porque al mostrar los denominados amores prohibidos, está reafirmando la vigencia del mismo en todo momento, sin importar persona o circunstancia. Amor a solas, amor y sexo, relaciones amorosas en las que entra todo, desde la actitud sensual, pasando por la potenciación del sexo como elemento carismático de unión, el amor desinteresado y al margen de diferencias sociales y edad. El amor, si nos adentramos en el verdadero significado del mismo, significa estar iluminados, ser elementos y seres de luz que se hallan en transformación continua, en todo momento y circunstancia. Stella Sidi posee la determinación adecuada para verificar la madurez del amor, desarrollando con ironía y claridad, pero, a la vez, con toda naturalidad, amores prohibidos, personificados en mujeres, en composiciones sutiles, cuidadas, donde el dibujo predomina, el color es secundario, el detalle determina y la composición posee una alegoría de fino alcance, que define la belleza de una obra que no renuncia a la historia pero que su temática forma parte del patrimonio universal. Joan Lluís Montané De la Asociación Internacional de Críticos de Arte

Elizabeth Eichhorn, homenaje a las madres, el amor como principio.

Elizabeth Eichhorn

"Madres: del mundo a la Argentina"

Hipólito Restó & Arte

Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Argentina

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La artista plástica Elizabeth Eichhorn, escultora, ceramista, muralista y dibujante, exhibe, en esta ocasión, una colección de dibujos basados en el homenaje a las madres del mundo. Están realizados en acuarela y carbón sobre papel, formato vertical, fondo blanco, con remates de otros colores según obra. En líneas generales presenta a la madre con el hijo, en otras se intuye, a modo de símbolo. Realiza un verdadero homenaje a la madre, efectuado con gran sencillez de trazos, pero con precisión, dibujando detalles, aunque sin exagerar. Los trazos son limpios, empleando la acuarela para conferir personalidad más intensa a los protagonistas. Exhibe a la madre, la Deva de la naturaleza, siguiendo con su particular homenaje a la mujer, como sustentadora del mundo, de lo cósmico y terrenal a la vez. Mujer, luna, factor femenino, biología, tierra, materia, que transforma la misma materia, que expresa energéticamente sus desarrollos hasta lo más alto y cualificado de la dinámica biológica. Madre, entendida desde diferentes puntos de vista; desde la madre gallega, pasando por la madre alemana, austriaca, argentina, criolla y de otras étnias. Es la madre por antonomasia, al margen de istmos y culturas, siempre la madre. Podemos contemplar desde madres clásicas, otras tradicionales, también progresistas, a madres hiphies y étnicas. En este sentido la exhibición de dibujos dedicados a la mujer-madre, es realista, dado que su discurso plástico se centra en su figura, buscando el equilibrio y el centro equidistante, el punto armónico que concreta y desarrolla una actitud que va más allá de la anécdota. Es decir que, aunque procura preservar las características nacionales de cada país, mejor dicho, de cada cultura, no busca los clásicos estereotipos, dado que va más allá de la semblanza, indaga en el símbolo, pero sin llegar a lo enigmático. Describe la realidad externa, pero, también, la evidencia de su alcance mucho más lejos de lo que la primera impresión comunique. Por otra parte está claro que su trabajo de investigación es dinámico, energético, lleno de movimiento y de síntesis paradigmáticas, convenientemente concebido, hasta el punto de estructurar un discurso que va más allá de las circunstancias. Mujeres de miradas ingenuas, protectoras, serias, en ocasiones, muy embelesadas, en otras más atentas pero menos apegadas, también la impresión general que se obtiene es de gran serenidad y amor, de notable evidencia al margen de handicaps y de limitaciones externas no regulables. Prefiere dibujos claros, sin complicaciones, que describan pero sin abusar del detalle, en una dinámica en la que posiciona a la mujer de manera vertical, buscando el poder del alegato plástico, la fuerza que emana de una naturaleza sugerente que condiciona la evolución del mundo y es la autora de la base que sustenta el significado de la trascendencia de la materia, en su camino maravilloso de transformarse y engendrar un nuevo ser. Un ser que nace del amor y que va hacia el amor, pero en el camino tiene un aprendizaje, existen los problemas, pero la mujer-madre allana la primera etapa, es como una diosa que ofrece su energía para que el nuevo ser camine en el mundo limitado del cuerpo pero con alma universal. Joan Lluís Montané De la Asociación Internacional de Críticos de Arte C/. Huelva, 1 Urbanización Colonia España 28292 Galapagar (Madrid) España Móvil: 635 01 98 57 arteyopinion@franciscablazquez.net

Hipólito Yrigoyen

Multitudinario funeral, de quien fuera uno de los presidentes más respetados de la República Argentina.

Martín Soubiate y su provocadora paleta.

Arte y Compromiso

La oportunidad que se me presenta es doblemente singular, encontrarme con la posibilidad de valorar una realidad plástica de contenido expresivo tan viva y evidente, como la que presenta Martín Soubiate, y la posibilidad de opinar sobre la realidad tangible de una conciencia social, tan adecuada para la representación artística como cualquier otra, pero que en la paleta de Soubiate cobra fuerza humana, traduciendo factores sociales en una dinámica de representación expresiva.

El expresionismo mantiene una regla básica que une, en la técnica, valores fundamentales comunes a todos los pintores, sea por la fuerza del sentimiento interior que los mueve, como en los colores, la materia y los contrastes. Soubiate muestra en su obra todos los condicionantes propios de la sociedad en que se desarrolla; y en efecto, no siendo ajeno al condicionante estético instalado en gran parte de los pintores del Cono Sur, puede expresarlo con la fuerza y capacidad de síntesis que su juventud le permite, al tiempo que abstraer los sentimientos más profundos de la característica fundamental del sentir latino, del cual forma parte. Fuerza y poder en el movimiento, color en la luz y equilibrio en la composición, confieren a la obra de Martín valores universales que acompañan un motivo trascendente. Para aumentar la expresión, Soubiate, comprime el espacio y provoca el enfrentamiento entre las figuras y el Mundo que los rodea, consiguiendo con ello una realidad doble. Él no forma parte sin embargo, de la realidad que plasma en sus cuadros. Se mantiene al margen de ellos. Su punto de vista se distancia de la metáfora, y ahí entronca con la realidad representada por los impresionistas, pero a diferencia de éstos, carga su paleta colores, desdibujando el ambiente, constriñendo el objeto hasta conseguir que el objeto pintado sea espectador de la situación que los rodea. Parecen decir “Me miras..., pero yo también te veo”. Una inquietud joven, descontenta y fugaz, como corresponde a este pintor joven, que ya en su corta trayectoria, ha demostrado un soporte técnico apreciable, a la vez que un sentimiento profundo en sus pretensiones. Parece haber comprendido, tan pronto, que la cualidad fundamental del artista se demuestra en el sentimiento, y no en la plasmación cotidiana de la realidad. Sus personajes, al igual que le ocurría a Cezanne, expresan sentimientos individuales y concretos, que trascienden a la obra de arte. Todo tiene un trasfondo denso, nada improvisada o casual, porque la intención es decisiva e íntima. Por fin es Soubiate un hombre de su tiempo, capaz de captar realidades lejanas, e interpretarlas como propias, en una yuxtaposición de sentimientos que le hacen pasar de su realidad argentina a una realidad universal, que sus personajes o sus símbolos expresan de manera natural. La vida es pura expresión.

Manolo González - Fuengirola, Málaga

Ivone Tejerina, el poder evocador de la aguada

Ivone Tejerina, el poder evocador de la aguada

Las acuarelas de Ivonne Tejerina exhiben bodegones ‘mínimos’, evocando el poder de la aguada en un entorno sutil y sensual, en el que los objetos de cristal, jarrones, copas y fruteros predominan, mostrando frutas, zumos de fruta y pétalos de flores como nota de color. Centra la composición, procurando situar la dinámica de los elementos en mitad o a los lados del escenario. Busca con ello elaborar una obra marcada por la presencia de objetos y frutas en armonía, en línea con sus claros efluvios, presentados dentro de un destacado equilibrio, en la que predominan las sugerencias, sin imposiciones.

La búsqueda de la fluctuación en bodegones mínimos, sin abusar de elementos, es fundamental para poder recrear las condiciones adecuadas a partir de las que consolidar un discurso claramente poético, intimista y personal. Predominan los tonos rosáceos, amarillos, blancos, verdes, azules y violáceos, marcados por la impronta de la evidencia, encaminada en la determinación, es decir que son esenciales para trasladar al espectador una idea de sensibilidad estudiada. Dibuja los elementos, ubicándolos, determinando su posición con claridad, para, luego, complementarla con la incorporación del color, de diferentes tonos, que llena y determina quien es quien en la objetualidad y las piezas de fruta. Es decir que la pincelada es controlada, medida, buscando la armonía en entornos perfectamente dibujados, sin salirse de la propia determinación final. Sus bodegones son expresamente sucintos, porque busca la serena distancia de lo barroco, permitiéndose consolidar espacios a medida, generados a partir de una actitud calculada, justa, armónica, ubicada en la actitud, siempre considerando las posibilidades de desarrollo de la idea. Traza un discurso específico a partir de la voluntad de la esencia del color, aquella que le permite saborear cual perfume, el sabor del cromatismo, la evidencia de los planos de tonos intermedios, pero siempre procurando destacar la temática y su contenido. No pretende dar protagonismo a los fondos, sino que se interroga por la composición, dado que el dibujo es el protagonista, para compaginarlo con el poder evocador de la aguada. De esta manera dibujo y trazo, color y forma siguen un discurso marcado por un guión establecido, que, sin embargo, posee una naturalidad evidente, una presentación fresca, directa, agradable, envolvente, hasta el punto de que capta los sentidos para entablar un diálogo a múltiples bandas. La evocación de lo sugerido manda en el complejo sentimiento de que lo que presenta es sugerente porque es bello y la belleza descansa en los recovecos de los detalles del alma. Así, alma, determinación cromática, desarrollo compositivo y espacio se funden en un discurso que huele a música perfumada de las fragancias cromáticas. Joan Lluís Montané

De la Asociación Internacional de Críticos de Arte